• Le premier facteur est à l’échelle locale :

En effet, les artistes posent leurs voix sur des mix composés par les Djs, conséquence de quoi, le public retient davantage le nom du Dj que celui des artistes qui ont posé, c’est pour cette raison que l’on voit parfois dans les commentaires de mix sur YouTube (ou alors, les djs les citent directement comme dans cet exemple[18]), les titres et noms des artistes présent.es sur le mix. L’artiste chanteur.euse est donc invisibilisé.e. Pour se faire connaître, les artistes utilisent beaucoup les réseaux sociaux, en fonction de leur affinité avec le réseau. Ils se mettent en scène, poussent des coups de gueule, montrent les coulisses des shows afin de créer une proximité avec le public. Ils encouragent aussi leur communauté à les suivre sur les plateformes de streaming via leurs canaux dès qu’un nouveau son sort, afin de gagner en visibilité et en audience. Prenons l’exemple de Shannon qui a récemment sorti le titre

« Soucè[19] », elle a pris le temps, quelques semaines avant de le teaser, mais surtout, elle l’a chanté a capella avec ses followers afin de leur apprendre la chanson. Les artistes se rendent également chez des streamers comme Océane[20] ou d’autres créateurs de contenu comme Specta afin de gagner en visibilité, mais cela reste une visibilité locale car pour percer au national, il faut avoir une histoire à raconter, un personnage à vendre… et un produit de qualité. Il faut donc savoir bien écrire, composer, mixer, avoir des références musicales, un dossier de presse de qualité, ce que n’ont pas la plupart des artistes puisqu’ils n’ont pas d’agences de presse.

• Le deuxième facteur est lié au produit :

La musique est un produit commercial dans un marché local très petit et hyper concurrentiel. Les artistes doivent être capables de se distinguer, soit en ayant une belle plume, ou une forte personnalité comme Kalash et Méryl, en ayant un style vestimentaire qui permette au public de les identifier comme Shannon ou un style de danse comme Maureen avec son grand écart. Mais surtout, le problème est structurel. Il faut négocier avec les radios comme le fait le producteur Claude Cabit de Chabine prod, ou Marilène Mauriello épouse de Jean-Michel Mauriello, fondateur d’Hibiscus Records[21] pour qu’elles acceptent de diffuser de la musique dite « urbaine », et s’il y a un titre similaire qui est déjà diffusé dans ce cas, l’autre proposition sera refusée car il ne peut y avoir deux artistes sur un même créneaux. Les manageurs sont souvent des membres de la famille non-formés, ou formés sur le tas, ils ne présentent pas les documents nécessaires pour que l’artiste qu’ils managent soit diffusé en radio. En somme, ils ne savent pas vendre leur produit.

• Troisième facteur :

Depuis la crise du disque, de nombreuses maisons de disque ont fermé en Martinique comme en France, les artistes pour se faire connaître font tout de manière auto-didacte comme Natoxie ou DJ Chinwax, qui à la manière du défunt, DJ Medhi, ont tout appris sur le tas : mixer, composer, écrire. 

De nombreux acteurs m’ont expliqué que les artistes actuels manquent de culture, ils ne lisent plus, « s’enjaillent » sur le mix, posent les paroles sans se poser de question. Ils manquent de travail, d’implication et de structure, de plan de carrière, d’objectifs, ce qui les empêche de percer et de s’entourer de personnes compétentes.

Il y a un gros problème structurel qui repose sur plusieurs points :

• Comme annoncé précédemment, le manque de culture des artistes, compositeur, djs est un frein à l’essor de la musique antillaise.

Si la culture du sample massivement utilisée aux USA, c’est peu le cas en Martinique (malgré le titre Biguine Shatta de Natoxie ou le titre Sex friend de Dj Chinwax qui reprend des airs de zouk). Il y a un problème générationnel, dans le sens où les personnes qui produisent de la musique aujourd’hui ne connaissent pas l’origine de certains beat qu’ils utilisent. Il semble manquer de structures de rencontres pour les jeunes comme les ASELQO, même la Mission Locale ne répond pas à leurs besoins. Les jeunes artistes se forment donc par eux-mêmes, perpétuant une pratique issue de la période esclavagiste et post-esclavagiste où la culture de la débrouillardise domine. La plupart des artistes actuels n’ont pas de « culture artistique » au sens où ils n’ont pas fait de solfège, par exemple. Ils ne connaissent pas l’origine de certaines sonorités, paroles etc. Ils reproduisent beaucoup les codes des artistes des USA et de la Jamaïque comme Spice, Shenseea mais éprouvent des difficultés à créer leur propre identité artistique…

• Le deuxième concerne l’entourage des artistes. Il n’y a quasiment pas de managers, d’agents de presse, de community managers, qui soient véritablement formés.

La plupart des artistes restent dans une économie familiale contrairement à la Jamaïque où dès les années 60’, l’industrie musicale s’est forgée massivement. Cela semble lié au manque de propositions d’études faites aux jeunes. Lors de mes entretiens, de nombreux artistes m’ont confié que durant leurs études, leurs professeurs voire même leurs familles les avaient découragés car ils estimaient que la musique, et notamment le shatta étaient une perte de temps. Les artistes ont néanmoins plus de facilité à être diffusés ou à faire des featurings avec des artistes caribéens comme la Jamaïque (Spice et Shenseea) ou la Guyane représentée par Jahyanaï et Bamby… Les featurings leur ouvre un tout autre marché, celui de l’Amérique centrale et Latine, au-delà de la Caraïbe.

• Le troisième est politique. Les politiques culturelles et institutionnelles ne permettent pas aux jeunes d’explorer leur curiosité musicale.

Mais surtout, il semble que l’Hexagone persiste à ne pas vouloir considérer ses territoires ultra-marins comme un berceau de talents, d’histoires à raconter. Des territoires légitimes pour ce qu’ils sont et non seulement pour ce qu’ils apportent à la stratégie diplomatique et militaire française.

Du point de vue national, lorsqu’un artiste arrive à percer comme ce fut le cas pour Kalash au début des années 2010, les majors leur demande de renier une partie de leurs origines, de ne plus parler créole, ce fut le cas pour Kassav’. Lorsque Kalash a sorti le titre « Bando[22] » en 2015, Universal voulait qu’il chante en français. L’artiste et sa manageuse Clara ont refusé, financé le clip eux-mêmes à Miami et « Bando » est devenu le succès que l’on connaît.

Les acteurs du milieu sont unanimes sur le fait que la musique urbaine noire dérange la « haute société bien-pensante » martiniquaise, car elle est issue du quotidien, du quotidien des noirs antillais. La musique urbaine, c’est une musique de rue, une musique du cœur, une musique où l’on parle de la misère, où l’on exprime sa colère ou son bonheur et ses joies mais avec des paroles souvent grivoises, vulgaires, parfois violentes. Elle choque, révulse et fédère, elle questionne et s’insurge. C’est un genre musical qui crée une identité, une communauté à travers le monde via les trajectoires d’artistes comme l’explique l’historienne Christelle Lozère[23].

• Quatrième facteur : les clichés et stéréotypes raciaux continuent de peser sur les artistes. On a pu le voir dans les années 90’ avec Francky Vincent.

Avec « Alice ça glisse », sorti en 1991, on est déjà dans un visuel numérique. Le visuel joue sur le comique. La femme semble surprise, une banane à moitié épluchée en bas à droite en train de « danser » (allégorie du rapport sexuel). Le chanteur apparaît en position de force, sa tête est même plus grande et grosse que celle de la femme, il la maintien des deux mains fermement. Cela sous-entend un rapport de soumission, dominant-dominé mais la femme « y trouve du plaisir » puisque « ça glisse », c’est-à-dire que son sexe se lubrifie. Dans un autre contexte, on pourrait y voir une scène d’agression sexuelle. Non seulement cela fétichise l’homme noir soi-disant doté d’un « grand sexe et obsédé sexuellement », mais cela contribue également à entériner l’image du « sauvage », ou plutôt, de la « musique de sauvage » comme j’ai déjà pu en être témoin à de nombreuses reprises. Le public français « blanc » même « intellectuel » parce qu’il a fait des études, nourries ne serait-ce qu’inconsciemment ces clichés et stéréotypes dont les artistes peinent parfois à se défaire, comme si c’étaient des boulets. Les artistes masculins utilisent des pseudos comme X-Man, JMax, Blaxco… ce qui alimente cette idée de l’homme noir viril. Quant aux femmes, elles adoptent des pseudos doux comme Cécinelle, Candys, Kryssy, Noelia, Shannon, Shadeey’s qui font penser à des femmes faciles, mais ces pseudonymes sont trompeurs lorsque l’on découvre le franc-parler de ces femmes.

Il semble que les artistes actuels de 20 à 30 ans essaient de leur mieux de réécrire et de se réapproprier leur histoire, en s’éloignant de la lourdeur du passé colonial, c’est peut-être aussi pour cette raison qu’ils se désintéressent tant de leur patrimoine culturel, parce qu’il leur rappelle la douleur de leurs ancêtres, une douleur qu’ils ne veulent plus assumer aujourd’hui. Il faut néanmoins nuancer cela, car si une majeure partie d’entre eux ne font « que du divertissement », d’autres essaient de faire de la musique consciente à travers le shatta, se documentent sur le féminisme, critiquent le colorisme, dénoncent le patriarcat, les violences faites aux femmes, la violence des gangs et de la drogue comme on peut le voir dans le court-métrage de l’artiste Willem [24]. C’est parce qu’il y a un manque d’offres et beaucoup de demande locale (la culture du streaming avec Spotify est encore peu ancrée dans les Antilles puisque disponible depuis quatre ans seulement) que Méryl et d’autres artistes aujourd’hui montent leurs labels (Maison Caviar), créent des réseaux d’artistes, conseillent les jeunes artistes de demander à s’entourer d’avocats avant de signer un contrat. La jeune génération commence à se structurer, avec ses propres codes et ses valeurs pour montrer qu’elle en vaut la peine, à cela s’ajoute la pression du public martiniquais que les artistes qualifient de « particulièrement exigeants », ils redoublent de travail car ils n’ont pas « pas le droit à l’erreur » comme le disent Méryl et Maureen à Loxymore TV. Enfin, ce n’est pas un hasard si dans les saisons deux et trois de Nouvelle Ecole des artistes antillais ont participé au show. Ces jeunes veulent montrer qu’ils valent autant que des artistes mainstreams hexagonaux actuels, qu’ils sont aussi talentueux, vendeurs et acharnés.